# 那些在AI浪潮中活下來的繪師，都做對了什麼？


前陣子在網路上看到一則故事，讓我印象很深。

一位台灣插畫家去看工作室，是那種三房兩廳的大空間。房仲看了看她樸素的打扮，問：「你是做什麼的？」

「平面設計。」

「蛤是喔？平面設計那麼好賺喔？負擔得起這個空間嗎？」

插畫家只好拿出手機給他看自己的作品和合作案例。房仲還是一臉狐疑：「所以畫畫那麼好賺喔？」

後來插畫家在貼文裡自嘲：「還是要西裝筆挺唬爛說自己是什麼新創公司，然後職業說是什麼AI生成藝術家之類的比較酷？」

看到這裡我笑了，但笑完又覺得有點心酸。這個故事反映的，不只是社會對創作者的刻板印象，更是整個產業正在經歷的身份認同危機。

當AI能在幾秒鐘內產出一張商業插圖，傳統繪師的價值到底在哪裡？

## 先說說那些讓人睡不著的數據

說實話，我不想一開始就丟數據嚇人，但有些事情不能不談。

去年中國遊戲產業傳出一個消息：插畫師的工作機會在一年內下降了70%。不是說比較難接案，而是真的掉了七成。有個匿名的遊戲公司繪師說，過去他一天畫一個場景，現在用AI輔助，一天能產出40個。

聽起來很厲害對吧？但問題來了——當所有人的生產力都提高40倍，你的工作量反而會減少。因為市場需求沒有成長40倍，但供給量爆增了。

Stanford的研究也指出，AI圖像進入市場後，整體圖像上傳量增加78%，但非AI創作者的數量減少了23%。簡單說，市場變得更擁擠，但傳統繪師的份額卻在縮水。

這還不是最可怕的。真正讓人焦慮的是那種不確定感——你不知道自己多年累積的技能，還能撐多久。

我在繪師社群看到有人說：「AI越進步，代表我越要被淘汰。」甚至日本還出現了美術生因為擔心未來而自殺的極端案例。

但你知道嗎？當我深入去看這些數據和故事，我發現了一件很有意思的事：**有些繪師不但沒被淘汰，反而活得更好了。**

## 我看到的三種繪師

在AI這波浪潮裡，繪師好像分成了三種人。

第一種人，真的很辛苦。他們通常是接商業案的插畫師，專門畫那種「客戶說要什麼就畫什麼」的東西。可能是遊戲角色、產品包裝、網站配圖這類。這些工作的特色是——有明確需求、重複性高、風格可以被定義。

這也正是AI最擅長的領域。

有個做遊戲美術的朋友跟我說，他們公司現在用AI生成初稿，人工只負責精修。原本需要三個外包繪師的工作，現在一個人加上AI就能搞定。那兩個繪師呢？沒有後來了。

第二種人，正在掙扎。他們知道AI的威脅，也想改變，但不知道該怎麼做。有些人開始學用AI工具，但總覺得「這樣做是不是就不算藝術家了」。有些人加入「反AI」的抗議運動，在作品上標註「NoAI」標籤，希望能保護自己的創作。

2022年底，全球最大的數位藝術平台ArtStation首頁被「NO TO AI GENERATED IMAGES」的圖片洗版。成千上萬的藝術家用這種方式表達憤怒。這場運動確實推動了一些改變——平台允許創作者標註作品不得用於AI訓練，也有藝術家對AI公司提起集體訴訟。

但說實話，這些行動更像是在爭取尊重和補償機制，而不是真的能阻止AI的發展。


然後是第三種人。這些人讓我覺得最有意思。

他們沒有在恐慌，也沒有在抵抗，而是在認真思考一件事：**在AI能畫圖的時代，人類創作者的價值到底是什麼？**

## 那個租得起大工作室的插畫家

回到開頭的故事。那個被房仲質疑的插畫家，後來在貼文裡分享了她的收入來源：

「我現在除了商業合作、聯名外，還有授權的每月收入，其中還不包含展覽跟市集的部分，所以前面說需要大的空間，就是因為商品開發需要較大的空間。」

她也坦承，自己經歷過一個月只有兩三萬的艱困期。但她沒有只靠接案，而是建立了一套完整的商業模式：個人品牌、授權收入、實體商品、展覽市集。

這就是我說的第三種繪師。他們的共通點是什麼？

**他們不是在賣技術，而是在賣自己的故事、風格和世界觀。**

我在研究時發現，台灣科技藝術教母林珮淳說了一段很有意思的話。她說，每次新技術出現，社會都會恐慌。19世紀攝影術發明時，大家也在爭論「攝影算不算藝術」。但現在呢？攝影早就是藝術的一部分了。

她的作品《夏娃克隆萬湖會議》用AI生成世界領導者的臉，探討權力和科技倫理。她用AI當工具，但創作的核心仍然是她想說的故事。

「創作者必須先問清楚，為什麼要創作？要對誰說話？要在世界留下什麼？」林珮淳這樣說。

這句話點醒了我。AI可以畫圖，但它不知道為什麼要畫這張圖。它沒有想說的故事，沒有想表達的情感，更沒有想留下的痕跡。

## AI無法複製的那些東西

我整理了一下那些活得還不錯的繪師，發現他們都在做一些AI做不到的事。

**第一個是說故事的能力。**

AI可以生成一張「悲傷的女孩站在雨中」的圖，但它說不出為什麼這個女孩悲傷、她經歷了什麼、雨停之後會發生什麼事。好的創作者能用一系列作品說一個完整的故事，讓觀眾產生共鳴。

**第二個是獨特的風格和世界觀。**

有些繪師的風格是可以被AI學習的，但有些人的創作是整套的視覺語言和哲學思考。就像宮崎駿的動畫不只是畫面精美，而是有完整的世界觀和價值觀。

**第三個是與人的真實連結。**

一個接案繪師曾說：「有些客戶寧願多花錢找我，因為我懂他們想要什麼感覺。」這種「懂」不是技術問題，而是人與人之間的同理心和溝通。AI可以執行指令，但無法真正理解客戶背後的情緒和期待。

**第四個是不完美和人性化。**

這點聽起來很弔詭，但正是因為人類會犯錯、會情緒化、會有靈光乍現的瞬間，創作才有溫度。AI生成的圖太完美、太精準，反而少了那種「啊，這就是人畫的」的感覺。


我在網路上看到一個很中肯的說法：「AI不會取代繪師，會取代那些像AI一樣沒有靈魂的繪師。」

如果你的創作只是模仿、套公式、複製流行風格，那確實很危險。因為AI做這些事比你快、比你便宜、而且永遠不會抱怨。

但如果你有自己的聲音、自己的故事、自己的堅持，AI反而可能成為你的助手。

## 如果是我，我會怎麼做

說了這麼多別人的故事，你可能想問：如果是我面對這個處境，我會怎麼做？

老實說，我沒有標準答案。每個人的狀況不同，適合的路也不一樣。但如果非要我給建議，我會這樣思考：

**短期來說**，我會先學會用AI工具。不是為了取代自己的技能，而是讓它處理那些重複性、技術性的工作。就像設計師學會用Photoshop一樣，這只是工具的進化。

很多遊戲公司的美術已經在這樣做了——用AI生成概念草稿，人工負責調整和精修。這樣既能提高效率,又能保持創意的主導權。

**中期來說**，我會認真思考自己創作的核心是什麼。是技術嗎？是風格嗎？還是想表達的理念？

如果我發現自己的價值主要在技術執行，那就需要轉型了。可能是往創意指導發展，可能是專注在某個AI還做不好的細分領域（像是文化深度、情感細膩度），或者是建立個人品牌，讓人們認可「你」這個創作者，而不只是認可你的技術。

**長期來說**，我會發展多元的收入來源。不要把所有雞蛋放在「接案」這個籃子裡。可能是授權、可能是教學、可能是商品、可能是訂閱制的支持者社群。

前面提到的那位插畫家就是很好的例子。她的收入來自合作、授權、展覽、商品——當其中一項受到衝擊時，其他管道還能支撐。

但最重要的可能是心態。

我看到那些適應得好的創作者，都有一個共通點：他們把AI看成是「工具」而不是「敵人」。就像當年數位繪圖出現時，有些畫家抵抗，有些畫家擁抱。現在我們都知道，數位繪圖沒有消滅傳統藝術，反而開創了新的可能性。

## 這不是終點，而是轉捩點

寫到這裡，我想起林珮淳說的另一句話：「藝術家的責任，永遠是在找尋說故事的新方式。」

AI的出現確實改變了遊戲規則。70%的工作機會流失不是假新聞，很多繪師真的在掙扎。但這不代表所有繪師都會消失。

那些只會畫「客戶要什麼就畫什麼」的繪師，確實會面臨嚴峻挑戰。但那些有故事要說、有理念要傳達、有獨特視角的創作者，反而可能因為競爭者減少而獲得更多機會。

市場正在重新定義「價值」。過去是「誰畫得快又好」，現在變成「誰能創造AI無法取代的體驗」。

這個轉變很殘酷，但也很真實。

如果你現在正在為AI感到焦慮，我想說：這種感覺很正常。但焦慮過後，試著問問自己：

- 我的創作，除了技術之外，還剩下什麼？
- 有沒有什麼故事，是只有我能說的？
- 我能不能把AI當工具，而不是當敵人？
- 除了接案，我還能創造什麼價值？

答案可能不會馬上出現，但只要開始思考，就已經走在對的路上了。

回到開頭那個插畫家的故事。她能租得起大工作室，不是因為她畫得比AI快，而是因為她建立了無法被取代的個人品牌和商業模式。

這就是我看到的那些「活下來的繪師」的共通點——他們找到了自己的不可取代性。

而這件事，AI永遠做不到。

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**後記：**

這篇文章的資料來自多個管道：Stanford 商學院的研究、中國遊戲產業的報導、台灣科技藝術界的訪談、國際藝術家的法律訴訟案例，以及各個繪師社群的真實討論。

如果你也是創作者，正在為未來感到迷惘，歡迎留言分享你的想法。我們都在摸索，但至少我們可以一起摸索。

因為藝術的核心，從來不是技術本身，而是人與人之間的連結和理解。這一點，永遠不會被取代。